很多人做動畫都是先想故事，然後寫成文字，再從文字轉換成圖像設計，我認為這不是很好的方法，因為動畫始終是視覺的構成，之所以要寫成文字，應該是因為視覺討論已經有了初步共識，然後再寫成文字，這樣才能將視覺化的故事畫面直接而完整記錄，是一種直覺式的溝通方式，而不需要經過文字，再轉成視覺，似乎是顛倒了，也就是：
視覺溝通Concept Art或Visual Design--故事版Storyboard（由角色優先去設計故事）--修正故事版--文字腳本（或劇本Script）--開始進行概念設計Concept Design--進行角色探討（角色需要真實性與角色需要有動機....等）--回頭去修正劇本（因為加入了更多角色確定的因素）--確定劇本與角色/美術設計--找出角色吸引人之處--再回頭去改劇本.....「角色」--「劇本」之間來來回回的探討和修正，有時要經過數十次修正溝通，才能確定最後完美的劇本，因為角色是真實的，所以有許多真實人格的問題要被提出來討論，如「小強內心想要什麼？」一開始想要的，可能到後來會變成「小強內心害怕的是什麼？」這個「想要什麼？」和「害怕什麼？」一念之差，整個劇本就要重寫，這就是「角色動畫」的精神，考慮的不是故事情節，而是優先考慮角色的內在和外在因素，由角色的角度切入到故事裡去設計情節，這樣就會讓角色被觀眾所喜愛和接受！
角色不是說故事的工具，角色是產生故事的來源！
大家一起出點子，幫助其他同學的創意更完整，這也是迪士尼創意發想方式，因為每個人有自己不一樣的成長經驗和背景，大家一起討論會有意想不到的點子出現！
如果你用文字溝通，就會遇到圖像轉換的盲點，因為學生會不考慮畫面而寫出一些很難視覺化的文字，然後在事後反悔，但如果一開始就採用圖像溝通，很多視覺畫面因素和表演等因素就會在第一時間考慮進來，不會浪費在轉換的盲點上，這也是最符合動畫特性的教學方式！
但是，如果很長的故事，不先寫文字要如何產生畫面?
這部份要導演自己先將故事消化後，用視覺化先畫成故事版，然後就進入視覺討論，大家都用故事版在檢討、組織、增減、強化...故事的張力，所以這部份並不需要文字，文字頂多是重點的寫在故事版下方，整個視覺討論就是集思廣議，激發大家的點子，然後不斷修正或替換故事版，直到大家都滿意，然後就可以將討論好的內容寫成正式劇本，這時的劇本已經圖像化了，這劇本就可以送去給其他相關領域的專家審核，如製片、發行商、劇作家....等，聽聽他們的意見，再回頭檢討修改，這種修改，可能是張力不足，可能是角色之間的衝突性弱....或是有些搞笑太低俗等問題，這時就可以用劇本來檢討，完成後就可以製作分鏡腳本，總之就是寧可在故事端花時間精神，也不要勉強匆促製作下去.
文學作品要變成動畫，更需要先視覺化，因為文字和圖像之間是有落差的，所以要先改編畫成故事版，某些情節要簡化、去除、轉換成動畫語言、強化某些表演等，這些都是導演自己才懂，但如果導演自己能寫劇本，那就完美了!
但如果導演只和劇本作家討論，而沒有和團隊討論，就會因為導演個人條件而影響成敗，所冒的風險極大，畢竟大家一起想，大家一起分攤風險，何樂而不為!
培養說故事的能力好處很多，主要就是培養學生由文字邏輯轉換成圖像邏輯，而從圖像中學習鏡頭感和動畫的思維，包括幽默感和角色表演等，否則學生每次到了畢業製作時，就會忘了自己是在做卡通，老以為是在拍某某單位的宣導片!
另外關於設計端，則是要和故事同步檢討，才能在整體性取得協調.
個人認為這部份需要導演有這種領導和引導啓發動畫師的能力，這種集體創意的方式，會讓大家有參與感，而且每個人都非常了解故事，大家會一起成長，對培養原創型團隊大有助益，導演不要成為只管畫畫的人，導演要從故事端完全掌握，讓團隊活化，創意需要刺激，動畫師要能畫也能想，導演當然是靈魂人物，不是那個只坐在角落，默默工作的人!
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| 這是堂主的動畫課程中，採用視覺化溝通的教學法 ，這是剛完工啟用的雲科大 數媒系的動畫設計教室，整面牆的吸鐵式白板，就是給學生說故事用的 |
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| 學生會說故事，才能啟發他的視覺化表達能力和創意 討論的時候是全班一起討論一個故事，大家一起出點子， 然後你就會聽到許多意想不到的創意，經過老師組織 和修改邏輯之後，就會成為不錯的原創故事。 |
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| 將故事版和角色設計貼在牆上，視覺溝通完成後才寫成文字，因為要畫腳本 而一開始要先有一個真實的角色，學生是透過互相寫生，然後加入性格設計而成， 因此角色都是真實的，當然也可以是怪物或是動物，但內在還是真實的！ |
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| 動畫教室配備22吋Cintiq給老師專用，這樣可以直覺的和學生用視覺溝通 圖是堂主要學生採用的構圖方式，也是視覺優先概念，這部分在討論完 故事之後，就進入視覺概念討論，重新整理每個人的美術設計，讓角色 有一個很棒的故事空間，注重視覺焦點的運用和美學構成。 |
